Arte y matemáticas con Escher

El Universo es un libro escrito en el lenguaje de las matemáticas , siendo sus caracteres triángulos, círculos y otras figuras geométricas, sin las cuales es humanamente imposible comprender una sola palabra, sin ellos solo se conseguirá viajar por un oscuro laberinto.” GALILEO GALILEI

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Resulta interesante descubrir como un artista reconocido internacionalmente por sus universos geométricamente imposibles y por sus composiciones de motivos reconocibles  complementarios sobre el plano, casi imposibles de imaginar, encontrò su inspiracion inicial en la arquitectura árabe, en concreto en los mosaicos nazarìes de la Alhambra de Granada (España).

Los árabes tienen una gran influencia sobre la aritmética y la astronomía de nuestra era. A ellos les debemos además los símbolos de las cifras que hoy conocemos.

Es en la Alhambra donde la geometría árabe alcanzará su culminación a nivel estético. Los mosaicos de la Alhambra son verdaderas joyas geométricas, auténticos poemas de formas. La singularidad de los mosaicos árabes es que ningún punto es singular. Este efecto se consigue utilizando motivos simétricos y rellenando todo el plano de forma que sea uniforme y no haya ningún elemento diferenciador (según la cultura musulmana, solo Alá es Uno y su representación no está permitida).

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Los motivos de los mosaicos siempre son obtenidos mediante la geometría dinámica basada en movimientos en el plano a partir de polígonos regulares. Veamos algunos ejemplos visualmente.

Ejemplo 1: un cuadrado se transforma en una forma de ‘hueso’:

Ejemplo 2: un rombo se convierte en pétalo.

Ejemplo 3: un cuadrado se convierte en pez volador.

Ejemplo 4: un triángulo equilátero se convierte en la pajarita nazarí:

Ejemplo 5: solapamiento de cuadrados o sello de Salomon:

La Alhambra ha inspirado a muchos artistas a lo largo de la historia, pero en particular fue el artista holandés Moritz Cornelius Escher que en el verano de 1936 visitó la Alhambra y quedó cautivado de los mosaicos de la Alhambra de los que realizó numerosas copias y apuntes.

Seguramente estos mosaicos fueron en el germen de lo que sería el tema favorito del pintor: la partición geométrica del plano de la que llegó a afirmar: “es la fuente de inspiración más rica que jamás haya encontrado y muy lejos está todavía de haberse agotado”.

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La característica principal de Escher en sus particiones es que los motivos elegidos representan algo concreto y reconocible por todos y no solo formas geométricas.

El pintor recurre además a la idea de complementarios, contrarios y de movimientos de transición a través del plano.

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Día y noche

Con la “Metamorfosis”, Escher transforma el motivo mínimo, el cuadrado, en una serie de figuras creando una historia de transiciones increìbles para volver a llegar al cuadrado inicial.

Metamorfosis

Metamorfosis

Trabaja posteriormente jugando con el mundo de dos dimensiones para convertirlo en un mundo en tres dimensiones.

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Más tarde, aún no satisfecho, construye la serie de paisajes imposibles donde nos presenta escaleras infinitas que siempre nos devuelve al mismos sitio y cascadas que se autoalimentan de la propia agua que cae en un imposible móvil perpetuo.

En la última fase de su obra, Escher aborda otro concepto básico matemàtico: el infinito. Encontró la inspiración en el modelo del matemático francés Enric Poincarré, que utilizando la geometría hiperbólica consigue representar la totalidad de una superficie infinita dentro de un circulo finito.

“Las leyes matemáticas existen independientemente del intelecto. Lo único que el hombre puede hacer es saber que están ahí y tomar consciencia de ellas” – M.C. Escher

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“Nadie puede revelaros más de lo que reposa ya dormido e medias en el alba de nuestro conocimiento.” J. Gibran

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Autora: Eva Martínez Olalla – Artista, ingeniera y fundadora de ARTivación 

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BibliografíaDocumentales culturales “Más por menos”- La geometría se hace Arte

 

 

 

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Antoni Tàpies: Memoria Personal. Inquietudes artísticas en los años 40

Autorretrato, ca. 1945-47 Fotografia Antoni Tàpies

Autorretrato, ca. 1945-47
Fotografia Antoni Tàpies

Se trata de un texto con algunos fragmentos de la memoria personal de Antonio Tàpies, su modo de pensar en los inicios, sus motivaciones íntimas, su visión radical e innovadora, su modo de hacer arte con la materia, sus creencias.  Todo ello cambió radicalmente el arte contemporáneo español y posteriormente tuvo  gran influencia en el panorama internacional junto a Picasso, Mirò, Klee y otros contemporáneos.

Nacido en Barcelona en 1923, Antoni Tapies es uno de los líderes del informalismo español, fundador en 1948, junto a Brossa, Cuixart, Tharrats y Puig, del Grupo Dau al Set, una de las primeras y más relevantes iniciativas renovadoras del arte español de posguerra. En 1951, se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica.

Desde su primera etapa formativa en los años cuarenta, exhibe una de las constantes más definitorias de toda su trayectoria artística: la utilización de objetos y referencias extraídos del mundo exterior como pretexto para elaborar sus propias composiciones.

En 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos, paja o signos antropomórficos (pie, mano, dedos) que plasman la huella de la presencia humana en sus obras.

Además de su pintura, ha realizado obras de cerámica, tapices, fotografías y esculturas entre las que cabe destacar “Homenaje a Picasso” y “Núbol y cadira” (presente en el edificio de la Fundaciò Tàpies, en Barcelona), esculturas públicas inauguradas en Barcelona en 1990.

Homenaje a Picassso. A. Tàpies

Homenaje a Picassso.
A. Tàpies

Nuvol i cadira (Nube y silla) A. Tàpies

Nuvol i cadira (Nube y silla)
A. Tàpies

En 1990 se creó en Barcelona la Fundación Tàpies por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo así como para exponer y conservar su propia obra.

Desde la década de 1950 su obra ha gozado de un gran reconocimiento internacional. Grandes retrospectivas dedicadas a su obra en importantes museos ya desde los años sesenta y que han culminado en las organizadas por el Stedelijk Museum de Ámsterdam en 1980, el Museum voor Moderne Kunst de Bruselas en 1985, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 1990 y el Museum of Modern Art de Nueva York en 1992. En el año 2003 recibió el Premio Velázquez de las Artes Plásticas por “por su extraordinaria trayectoria artística, de resonancia nacional e internacional, y porque constituye uno de los valores más firmes del arte contemporáneo”.

 

Fragmento de “La vocación y el amor” escrito por el artista en 1977 .

Habla de sus autorretratos de su època inicial (1945-47):

Autorretrato. 1944 Tinta sobre papel. Antoni Tàpies

Autorretrato. 1944
Tinta sobre papel.
Antoni Tàpies

Autorretrato. 1947 Tinta sobre papel. Antoni Tàpies

Autorretrato. 1947
Tinta sobre papel.
Antoni Tàpies

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Estudiante forzado y pintor de domingos, me veía frecuentemente reflejado en la gran luna del armario y, si las puertas quedaban entreabiertas, me encontraba en ocasiones con aquel muchacho pálido tumbado en la cama mirándome, siempre ojeroso. Su mirada parecía honda y el conjunto era interesante y extrañamente intenso. Además se estaba quieto y hacía muy bien de modelo. No era raro que en ocasiones cogiera un lápiz o una pluma y me pusiera a copiarlo. En su mirada se captaba una profundidad que nunca conseguía expresar como deseaba. No quería apoderarme de su caparazón , como había hecho tiempo atrás. Quería ir hacia adentro. En aquel momento empezaba una batalla para transmitir al papel toda aquella atmósfera que había detrás de los ojos, unos contornos que me parecían más reales que lo real, llenos de extrañas ambigüedades , de contradicciones que allí dentro desaparecían, de impenetrables oscuridades, de deslumbrantes resplandores… Naturalmente solo eran intentos muy pobres, divagaciones, mimetismos carentes por completo de orientación, por lo que quedaba totalmente insatisfecho de mis esfuerzos.” A. Tàpies – Memoria personal

Fragmento de “Raíces catalanas. Psicoanálisis y marxismo” escrito por el artista en 1977.

Habla de sus influencias como artista y de sus primeras intuiciones a cerca del arte abstracto y de lo que podía aportar su visión:

Paisatge transformat. 1947. Oleo su tela

Paisatge transformat. Oleo su tela. A. Tàpies 1947

“Yo continuaba trabajando en aquel estudio de la calle Diputació. Allì hice la serie de collages con papeles sucios, de los cartones con cruces, de los hilos pegados, de las rasgaduras y desconchados de la materia innoble, de la materia quemada, etc. Yo ya tenía algunas ideas sobre el arte abstracto, el cual algunos, contraponiéndolo a la pintura figurativa, consideraban el último grito revolucionario. Sin embargo no siempre lo veía claro, y a menudo me parecía, tal vez influido por lo que había leído de Cassanyes en el D’acì i d’allá, muy tecnificado y racionalista. Sentía verdadera repulsión por todo lo que podía parecer derivado, como así decía el mismo Cassanyes, del homo faber, el hombre industrioso, vulgar y materialista en el mal sentido de la palabra, y también me inclinaba a seguir algunas de mis primeras intuiciones “hacia la magia”, en las cuales lo real se confundía con lo irreal, el objeto con el ser, y quería dar a mis cuadros un aurea de primitivismo, de objeto exotérico. Como si ya pareciera adivinar lo que Olivier Lacombe dice: L’image des prestiges du magicien s’avèere satisfaisante car elle retient les deux éléments de présence et ambigüeté entre le réel et l’irréel.

También quería traducir allì toda mi rebeldía, todo mi hacer frente a lo “oficialmente” aceptado entonces, mi actitud de provocación y de insulto especial. Pero no creo que saliera de allí solo una visión negativa, bruta y triste de las cosas. (La aparición de Teresa hacía ya su influencia). En aquel tiempo no lo había podido explicar demasiado bien, pero ahora sé que sería solo injusto si lo viera solo así. El dolor y la miseria -de la existencia  o bien de una existencia, la nuestra?- son allí patentes, pero tal vez lo están con cierto sentimiento de ternura, como una tristeza, una compasión hacia lo más humilde, con un afán de esencialidad que entra ya en el mundo de los hechos positivos. Más tarde Joan Teixidor hizo un análisis, con sugestivas palabras y mucho mejor de lo que yo pudiera hacerlo, de todo este sentido; análisis que puede ayudar mucho a la comprensión de aquellas obras casi insignificantes, pero que permanecerían como un prólogo a muchísimas de mis experiencias de más adelante.

Personatge amb gats, 1948 Oleo sobre tela. Antoni Tàpies

Personatge amb gats, 
Oleo sobre tela.
A. Tàpies 1948

Por otra parte, eran unos años de divulgaciòn de descubrimientos cientìficos extraordinarios, y los recientes estudios sobre la composiciòn de la materia y la ambigüedad de su comportamiento y de las partículas que la componían estaban impresionando la mente de todos. Me interesé mucho por conocer más a fondo las investigaciones sobre el átomo, las ocasiones entre deterministas e indeterministas, los problemas sobre los quanta, sobre la casualidad, la incertidumbe, etc. Conseguì textos -que entendía solo a medias, pero que devoraba- de Einstein, Planck, Schroedinger, Heisenberg y otros sabios, todos los cuales han contribuido a darnos una visión del mundo tan diferente de la que nos habían dado hasta entonces los científicos y los filósofos clásicos. Naturalmente, todo este conjunto de ideas, me trastornó muchìsimo. El universo era una fórmula matemática irrepresentable y más que nunca parecía misterioso e insondable. ¿Era que los hombres de ciencia más modernos confirmaban las concepciones de algunos antiguos filósofos y muchas de las visiones intuitivas de los místicos, poetas y artistas? no hay duda de que la necesidad que yo oscuramente sentía – como la de algunos maestros que me influyeron- de introducir nuevos materiales en la pintura obedecía a un intento de sugerir muchos de los problemas que planteaban la materia, la sustancia, la naturaleza. También, tal vez entonces más que ningún otro factor, estaba el disgusto que me producía la tópica calidad de la pintura al óleo, con todo lo que representaba del mundo clásico aceptado y creído de sí mismo. Me parecía, pues, que lo que yo hacía era igualmente una forma de escupir a la cara de todos los bienpensantes.”

Fuente “Tàpies en Perspectiva”, MACBA

 

 

“Il cunto dei cunti “- creazione copertina per Pinguin con Emiliano Ponzi al Mimaster

"Il cunto dei cunti" Proposta Copertina per Pinguin.

“Il cunto dei cunti”
Proposta Copertina per Pinguin.

Proposta Copertina "Il cunto dei cunti" per Pinguin

Proposta Copertina “Il cunto dei cunti” di G. Basile per Pinguin

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Questa settimana al Mimaster il workshop con Emiliano Ponzi è stato richiesta la creazione di una copertina per la versione in inglese del libro “Il Cunto dei Cunti” para la casa editrice Pinguin.

Emiliano Ponzi al Mimaster Illustrazione

Emiliano Ponzi al Mimaster Illustrazione

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Non conoscendo l’opera ho fatto un po’ di ricerca e ho letto alcuni dei racconti che ho trovato molto stimolanti e molto in linea con il miei gusti letterari.

Ecco un po’ di RICERCA prima di spiegare le fase del mio lavoro finale:

“Il cunto dei cunti” o “Il racconto dei racconti” di Giambattista Basile è una opera squisitamente letteraria, non era affatto dedicata ai bambini, bensì ad un pubblico maturo, pur se rozzo e incolto quale era dei casali, cpace d’intendere i frequentissimi doppi sensi che caratterizzavano le metafore. Originariamente scritta in napolitano nel seicento e conosciuta anche come il Pentamerone per le analogie con il Decamerone. En 1846 viene tradotto al tedesco, in 1893 al inglese e finalmente nel 1925 viene tradotto all’italiano.

C’é un racconto centrale intorno a cui ruotano tutte le altre. Ha una struttura circolare: un racconto all’interno del quale sono narrati altri 49 racconti. Cinque giornate di recitazione comica e ciascuna girnata si chiude con un’ egloga di argomento morale recitata da due servi-attori.

Struttura logica: incipit e chiusura, proverbio che ha il compito di smorzzare il tono fortemente espressivo ed audace del racconto stesso.

Sequenza logica: il conflitto; l’allontanamento e il viaggio; il ritorno e il cambiamento di status.

Molti racconti di Perrault e i fratelli Grimm sono chiaramente ispirati ad alcune delle storie che appartengono al Cunto: Cenerentola, La bella addormentata del bosco. Il gatto con gli stivali…

Il tema dominante:

RAPPORTO SPECULARE CHE ESISTE TRA REALTà E FINZIONE, ma è il racconto delle vicende personali della narratrice, la principessa Zoza, che rompe l’incantessimo.

Personaggi senza ‘io’ ambientazione quasi mai riconducibili a luoghi reali e identificabili. La sola indicazione che li inserisci all’interno della realtà è la sua appartenenza a una certa gerarchia sociale: re, principessa, villani o mercanti.

La METAMORFOSI è un importantissmo tema che percorre l’opera e la connota di una dimensione dinamica e attiva. La realtà in continua evoluzione.

Tutti i personaggi, prima del termine del racconto cambiano sempre la propria condizione: determinante in Basile è il CAMBIAMENTO DI STATUS, dalla povertà alla ricchezza, dalla solitudine al matrimonio, dalla bruttezza alla bellezza, dal rango inferiore al rango superiore.

Questo passaggio avviene attraverso eventi sui quali intervengono poteri violenti e capricciosi, quasi sempre impersonati da orche e fate.

CAMBIAMENTO/MIGLIORAMENTO è uno degli elementi ricorrenti nella società del secolo XVII tendenzialmente statica, ma pervaso dal desiderio di modernità.

Il VIAGGIO è l’altro tema ricorrente e protagonista dell’intera raccolta. L’allontanamento, il distacco, l’esilio forzato sono aspetti riproposti in ogni fiaba. La partenza rappresenta un momento di rotura, la rinuncia di una condizione nota per una nuova, spesso per luoghi sconosciuti, non agevoli e ricchi di insidie.

REALIZZAZIONE copertina.

Dopo una serie di sketches iniziali abbastanza ampia, insieme ad Emiliano Ponzi abbiamo scelto un paio, su cui ho realizzato una ulteriore ricerca stetica della Napoli del seicento sia a livello paissaggistico sia sui vestiti, architettura e abitudini dell’epoca.

Moda nel Seicento in Italia

Moda nel Seicento in Italia

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Inizialmente mi concentrai sul misterio dei boschi e la paura e disperazione che possono infondere. Cercavo di abbinare l’argomento dell’anfora con le lacrime e la disperazione di Zoza quando si sveglia e vede che le è stata rubata l’anfora con le sue lacrime e che il principe non c’è più perchè se n’è andato con una moresca. Cercavo una iconografia collegata con il periodo artistico dell’epoca, Gentileschi, Strozzi, Luca Giordano. (Fecce anche per un mio desiderio di ricerca e capriccio stetico alcune proposte iniziali con collage con la Venere di Botticelli e alcune opere di W. Blake). Eccole:

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Photocollage Gentilesch-Blake

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Photocollage Botticelli-Blake

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Photocollage Blake

 

 

 

 

 

 

Alla fine decisse di abbandonare questa strada forse meno adatta ad una copertina di scopo commerciale e decisse di sviluppare la seconda opzione, ovvero la principessa con testa di capra sul balcone di palazzo da fronte al mare, ai pini di mare insieme a piccole torrette e al Vesubio nella Napoli del Seicento. Dopo costruire e decidere con Emiliano la composizione degli elementi, dipinse a matita colorata e acquerelli gli elementi principali: la principessa, la balconata e il paessaggio di sfondo. Ecco i singoli disegni:

Paessaggio Napoli '600 con Vesunio in fiame

Paessaggio Napoli ‘600 con Vesubio in fiame. Acquerelli e matite.       Eva Martinez

 

 

 

 

 

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Principessa con testa di capra. Matite colorate. E. Martinez

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Posteriormente ho tratato i colori digitalmente e ho montato ogni singolo elemento aggiungendo una cornice in marrone scuro simulando la porta alla balconata per focalizzare  l’attenzione sul personaggio e sul paessaggio. Ecco il risultato definitivo dopo alcune prove di colore:

"Il cunto dei cunti" Proposta Copertina per Pinguin.

“Il cunto dei cunti”
Proposta Copertina per Pinguin.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

E poi ho voluto provare con un effetto ‘crettage’ per simulare un dipinto antico.

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“Il cunto dei cunti”
Proposta Copertina per Pinguin (effetto crettage)

 

 

Impara lo Spagnolo attraverso l’Arte e i Racconti

Eva Martínez Olalla

Eva Martínez Olalla

Vorresti conoscere  la cultura spagnola imparando lo spagnolo attraverso l’Arte e i Racconti in un ambiente famigliare in campagna?

Vorresti fare colazione con noi in campagna il sabato o la domenica mentre parliamo spagnolo?

Dove?: Pino Torinese (TO), vicino al Centro Sportivo Moby Dick (indirizzo verrà spedito via mail o sms ai partecipanti)

Quando?: ogni sabato e ogni domenica dalle 10:00 alle 12:00.

Quanto costa? Il prezzo corrisponde a due ore per persona e per giorno e include:

  1. Colazione in spagnolo in gruppo;
  2. Lettura di una storia popolare in spagnolo e posteriori attività artistiche collegate;
  3. oppure lettura di un breve testo sulla vita e opera di un artista spagnolo a scelta ogni settimana e attività artistiche collegate. (Attività 2 e 3 saranno alternate ogni settimana).
  4. Saluto con canzoni popolari spagnole e rinfresco.
  5. Ogni sessione è diversa e indipendente dalle altre, quindi non richiede per forza una continuità.

Adulti: 15 € (i bambini sotto i 12 anni accompagnati non pagano).

Bambini non accompagnati: 10€ (sconto 30% per i fratelli).

Come prenotare?:

Puoi prenotare il tuo appuntamento con noi scrivendo una mail a:   evamarola@gmail.com oppure chiamando al cell: 339 6718791 (Eva)

E’ importante prenotare con almeno 2 giorni di anticipo per scegliere e organizzare le attività a seconda del numero e tipologia di assistenti (adulti/bambini).

Prossimo appuntamento Sabato 25 e Domenica 26 Aprile alle 10:00 a.m. Prenotazioni aperte fino 23 aprile sera.

NOTA 1: Se volete rimanere il week end completo, per fare turismo nella bella Torino e la sua collina, avrei anche dei posti letto a disposizione. Potete consultare i prezzi contattandomi al cellulare.

NOTA 2: Se siete interessati potete anche prenotare delle lezioni individuali di Spagnolo da Lunedì a Venerdì, al pomeriggio (dalle 18:00 in poi) a un prezzo di 15 €/ora nello stesso posto. Prenotazione al cell: 339 6718791 (Eva).

Pintores que hacen libros para niños

A lo largo del siglo XX, algunos pintores se han arriesgado a imaginar y hacer libros para niños (con mucha seriedad, picardia, necesidad, por amistad con el autor del texto o por distracción). En su mayorìa, estos ejemplos célebres son libros hechos a dos manos: el pintor o grabador que ilustra el texto de un poeta o un cuento popular, y el editor que hace de maestro de obra. En una exposición en Paris descubrimos un libro de formato pequeño con grabados de Marc Chagall ilustrando el cuento de Der Nister “A mayse mit a hon; dos tsigele (Cuento del gallo y del cabrito), publicado en 1917 en Vilnius y primer libro ilustrado por el pintor.

Marc Chagall: El Gallo y el Cabrito

Marc Chagall: El Gallo y el Cabrito

Marc Chagall: El Gallo y el Cabrito

Marc Chagall: El Gallo y el Cabrito

En 1921, se publicó en Zurich ‘Mitsou, historia de un gato’, un libro con cuarenta ilustraciones de Balthus y un prefacio de Rainer Maria Rilke.. Balthus inventò e ilustrò a los 13 años esta historia de un niño que pierde y encuentra a su gato.

Balthus: Historia de un gato

Balthus: Historia de un gato

Balthus: Historia de un gato

Balthus: Historia de un gato

Balthus: Historia de un gato

Balthus: Historia de un gato

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En este sentido, uno de los trabajos más conocidos son las ilustraciones que Pierre Bonnard realizó en 1926 para “Histoires du petit pére Renaud” (Las historias del pequeño Renaud), de su amigo Leopold Chauveau.

Bonnard: Las historias del pequeno Renaud.

Bonnard: Las historias del pequeño Renaud.

Bonnard: Las historias del pequeno Renaud.

Bonnard: Las historias del pequeño Renaud.

Bonnard: Las historias del pequeno Renaud.

Bonnard: Las historias del pequeño Renaud.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

También podemos mencionar “Il était une petite pie” (Erase una pequeña urraca)  de Lise Deharme, ilustrado en 1928 por Miró para la Galería Jeanne Bucher,

Mirò: Erase una pequena urraca

Mirò: Erase una pequeña urraca

Mirò: Erase una pequena urraca

Mirò: Erase una pequeña urraca

Mirò: Erase una pequena urraca

Mirò: Erase una pequeña urraca

Mirò: Erase una pequena urraca

Mirò: Erase una pequeña urraca

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

y “Ko et Ko, les duex esquimaux” (Ko y Ko, los dos esquimales), de Pierre Gueguen y que Marìa Helena Vieira da Silva realiza para la misma galería.

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko:

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko:

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko:

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko:

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

Marìa Helena Vieira da Silva: Ko y Ko

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En 1969, Sonia Delaunay, atiende al llamado de Rosellina Archinto, quien la invita a realizar 30 ejemplares de un abecedario sobre canciones de cuna, recopiladas por Jacques Damase para Emme Edizioni en Milán, Italia.

Sonia Delaunay: Abecedario

Sonia Delaunay: Abecedario

Sonia Delaunay: Abecedario

Sonia Delaunay: Abecedario

Sonia Delaunay: Abecedario

Sonia Delaunay: Abecedario

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Asimismo, ciertos editores han utilizado obras de pintores para hacer libros para niños sin que los pintores participen directamente en la ediciòn del libro: este es el caso de “Trois contes pour l’anniversaire de Luis” (Tres cuentos para el cumpleaños de Luis), concebido por el pintor André Masson para su hijo en 1943.

Andrè Masson: Tres cuentos para el cumpleanos de Luis

Andrè Masson: Tres cuentos para el cumpleanos de Luis

 

 

 

 

 

 

 

Más recientemente, en 1970, algunas obras de David Hockney aparecieron reproducidas en pequeño formato en el libro “Six Fairy tales from the brothers Grimm”, de la editorial Petersburg Press (Londres).

Hockney: Six fairy tales from the brothers Grimm

Hockney: Six fairy tales from the brothers Grimm

Hockney: Six fairy tales from the brothers Grimm

Hockney: Six fairy tales from the brothers Grimm

Hockney: Six fairy tales from the brothers Grimm

Hockney: Six fairy tales from the brothers Grimm

Otra tradición heredadad del siglo XIX es la de las “ediciones de lujo” – por ejemplo, cuando Gustav Doré ilustra cuentos fantàsticos-, tradición que implica que las ediciones conllevan una fuerte carga de trabajo bibliotecologico.

Gustav Doré: Caperucita Roja

Gustav Doré: Caperucita Roja

 

 

 

 

 

 

 

Esta tradición sigue vigente a lo largo del siglo XX en el campo de libros para niños y conoce un periodo de auge, que se inaugura  cuando el gran editor-impresor Alfred Tolmer comienza a utilizar la superficie entera de la página del libro, trabajando con artistas como André Hellé, quien por aquel entonces concibe la totalidad de un libro realizado con estenciles, “Grosses bêtes et petites bêtes” (Grandes bestias y pequeños bichos).

André Helle: Grandes Bestias y Pequenos Bichos

André Helle: Grandes Bestias y Pequenos Bichos

André Helle: Grandes Bestias y Pequenos Bichos

André Helle: Grandes Bestias y Pequenos Bichos

 

 

 

 

 

 

 

Tolmer también trabaja con Edy-Legrand y varios artistas más. Desde hace varios años, el editor René Turc ha trabajado en la editorial grancesa Editions Grandir junto con grabadores como Elbio Mazet, en un intento por recuperar esta tradiciòn en la que el libro se da a conocer como un objeto hermoso.

Elbio Mazet

Elbio Mazet

Elbio Mazet

Elbio Mazet

Elbio Mazet

Elbio Mazet

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Más allá de todas estas corrientes, existe un tipo específico de libro cuyo valor artístico reside justamente en su uso como libros-objetos. Este tipo de libros son muy diferentes a las ‘ediciones de lujo’, o ediciones de colección, y son fruto de la concepción del artista, quien adopta el soporte del “libro” para realizar sus obras. En ellos, texto e imágenes forman un todo, indisociable e interdependiente.

Cómo se crea un libro ilustrado: los pasos básicos

Esta semana en el Mimaster hemos iniciado la realización de un libro ilustrado de 24 pàginas.

Cada uno ha podido elegir un tema. Para mi trabajo he elegido el tema universal que propone el Terzo Paradiso de Michelangelo Pistoletto, gran artista italiano de renombre internacional. El Terzo paradiso che el maestro propone pone de manifiesto la dicotomia entre el ‘Mundo natural’ (Primo Paradiso), che comprende la Naturaleza en toda su riqueza y fuente de Vida, en contraposición  con el ‘Mundo artificial” (secondo Paradiso), es decir el mundo creado por el hombre que, con una serie de actitudes y costumbres, pone en grave peligro el Paraíso Natural. Se trata de concienciar e invitar a las personas a reflexionar sobre el impacto de sus decisiones, grandes o pequeñas, sobre el deterioro de nuestro planeta. El Terzo Paradiso abre la puerta a la posibilidad de crear un mondo en el cual Naturaleza y Hombre puedan convivir para garantizar la continuidad de nuestro planeta y de las futuras generaciones.

FASES EN LA REALIZACIÓN DE UN LIBRO ILUSTRADO

La primera fase en la elaboración de un libro ilustrado es realizar un STORYBOARD, es decir, una secuencia de sketches que, junto con el texto de la historia, vienen distribuidos por página en orden de lectura. Esto nos da la idea del ritmo y del contenido que se quiere conseguir en la lectura y visionado de la historia.

Storyboard

Storyboard

Una vez realizado el story board, inicia la fase de MOCK UP o Menabò que consiste en una especie de prototipo del libro definitivo en el que se pueden hojear las pàginas y da una sensación más real y aproximada al modo en que se vivirá el libro definitivo. En esta fase se estudian bien los encuadres de cada página, se decide la posición del texto y se comienza a definir la estética y colores del libro definitivo.

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Mock up o Menabò

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Menabò con algunas hojas preliminares ya imprimidas con el texto para prueba de color.

Paginas 1 y 24 del Mock Up o Menabò

Paginas 1 y 24 del Mock Up o Menabò

Paginas 8 y 9 del Mock Up o Menabò

Paginas 8 y 9 del Mock Up o Menabò

Paginas 12 y 13 del Mock Up o Menabò

Paginas 12 y 13 del Mock Up o Menabò

Paginas 16 y 17 del Mock Up o Menabò

Paginas 16 y 17 del Mock Up o Menabò

Paginas 18 y 19 del Mock Up o Menabò

Paginas 18 y 19 del Mock Up o Menabò

Pàginas 20 y 21 d del Mock up o Menabò

Pàginas 20 y 21 d del Mock up o Menabò

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Una vez que el menabò ha llegado a un estado comprensible y se ha llegado a un acuerdo preliminar con la editorial sobre el contenido y el fluir de la historia, se presenta lo que llamamos una lámina definitiva o FINAL BOARD para representar el tipo de estética y técnica que tendrán las ilustraciones definitivas.

Ejemplo de làmina definitiva o final board sample.

Ejemplo de làmina definitiva o final board sample.

 

Al final de la semana, hemos tenido la posibilidad de presentarlo a una casa editorial de verdad, Topilibri con Giovanna Zoboli. Ha sido una experiencia muy rica en la que se nos han trasmitido muchos mensajes y consejos para que una historia pueda funcionar. Agradezco mucho a Giovanna su sinceridad con todos nosotros y sus predisposiciòn a compartir con nosotros su experiencia y su ‘know how’.

Revison de los proyectos en el Mimaster con Sergio Ruzzier (autor e ilustrador y Giovanna Zoboli de la editorial Topipittori en Milàn.

Revison de los proyectos en el Mimaster con Sergio Ruzzier (autor e ilustrador y Giovanna Zoboli de la editorial Topipittori en Milàn.

En este caso el proyecto de realización de los contenidos aquí expuestos, ha sido corto, tres días, y muy intenso. Considero que una historia con texto original requiere algo más de tiempo, que ahora me tomaré para optimizar la relación texto-imágenes y sobretodo la historia en sí.

El lugar real o figurativo que se describe en este proyecto es lo que Pistoletto propone como Terzo Paradiso, es decir, un lugar, un espacio, un mundo, un paraìso, el tercero, que se crea y genera a partir de la convivencia e integracion de los dos ya existentes y que garantiza la continuidad de la Vida en la Tierra.

Desde Septiembre 2014 soy embajadora de este proyecto proponiendo y divulgando su mensaje a través de diferentes actividades y en diversas realidades cotidianas.

En este caso, mi intenciòn es poder realizar una colección de libros y cuentos ilustrados que ayuden a interiorizar este concepto universal. Seguirían algunas aplicaciones (app) en formato digital, así como un ebook interactivo con diferentes temas que van desde la ecología a la tradicion, pasando por la educación medioambental, la artesanía y el arte.

El proceso de creación y realización de un libro me resulta una de las actividades más completas e introspectivas que he jamás haya experimentado. No he encontrado en ningún otro proceso de creación, a excepción tal vez de la pintura que me ha dado siempre muchas satisfacciones en mi desarrollo a nivel anímico, un estado de concentración tan intenso y tan íntimo.

Animo a todos a crear y relizar sus propias historias y disfrutar de las consecuencias.

 

Aubrey Vincent Beardsley

Artista inglés. Nació el 21 de agosto de 1872 en Brighton (Inglaterra).

Me han atraído siempre sus figuras largas y desproporcionadas, de piernas infinitas y de rostros entre el dulce y el macabro, entre luz y oscuridad, rozando la cordura. No me canso nunca de mirar su obra, siempre encuentro matices nuevos que estimulan a seguir mirando y descubriendo. Sus atmósferas, casi siempre en blanco y negro sobre las que a veces añade uno o más colores, resultan tan enigmáticas como sensuales y atractivas, creando siempre el misterio o la duda del estado de ánimo de sus personajes.

A. Beardsley - Isolde

A. Beardsley – Isolde

A. Beardsley - Salome

A. Beardsley – Salome

Su estilo de gran sensibilidad imaginativa y hedonismo así como su temática, en ocasiones macabra, le sitúan dentro del movimiento artístico europeo del fin-de-siècle. En su corta vida (su obra abarca únicamente un periodo de seis años), Beardsley se ganó la reputación de ser uno de los ilustradores ingleses más innovadores. Asistió muy poco tiempo a la Westminster School of Art de Londres. Exceptuando ese breve periodo de aprendizaje formal, fue autodidacta. A los 20 años ya recibía encargos. Su obra se caracteriza por los grandes espacios en blanco y negro, las líneas curvas muy marcadas, la rica ornamentación y el rechazo de las normas convencionales de la perspectiva y la proporción.

A. Beardsley - Climax

A. Beardsley – Climax

A. Beardsley

A. Beardsley

A.Beardsley - Cinderella

A.Beardsley – Cinderella

Sus ilustraciones participaban del estilo curvilíneo característico del Art Nouveau y de la plasmación del espacio que había observado en los grabados japoneses, lo que dio como resultado obras de gran sensualidad.

Se reconoce en su obra la influencia de los pintores prerrafaelitas, llegando a entablar relación con el pintor sir Edward Burne-Jones. La naturaleza fantástica, y en ocasiones erótica, de sus ilustraciones provocó grandes controversias sobre su trabajo.

Beardsley fue editor artístico de la famosa publicación The Yellow Book (El libro amarillo) (1894-1895) y de The Savoy (1896), donde se publicaron sus propias obras.

A. Beardsley - The Toilet of Salome

A. Beardsley – The Toilet of Salome

Ilustró La muerte de Arturo (1893-1894) de sirThomas Malory, Salomé (1894) de Oscar Wilde, The Works of Edgar Allan Poe (Obras de Edgar Allan Poe, 1894-1895), Lisístrata (1896) de Aristófanes y Volpone (1898) de Ben Jonson. También diseñó carteles y escribió obras en prosa y poesía, que se recopilaron y publicaron póstumamente con el título de Under the Hill (Bajo la colina, 1904). Víctima de la tuberculosis que padeció toda su vida, murió en Menton, Francia, a los 25 años. Su estilo característico tuvo una enorme influencia en el diseño gráfico de todo el mundo.

A. Beardsley

A. Beardsley

A. Beardsley - Hamlet

A. Beardsley – Hamlet

A. Beardsley - The misterious rose garden

A. Beardsley – The misterious rose garden

A. Beardsley

A. Beardsley

Leonora Carrington

Eva Martinez Olalla

Leonora Carrington. Autoretratto (1937-1938)

Leonora Carrington non è una illustratrice, ma una pittrice surrealista che scelgo anche come ispirazione per quanto riguarda la estetica delle sue opere e le forme dei suoi personaggi. Ha realizzato attraverso memorabili opere visionarie il sogno più grande della sua vita: dare consistenza a illusioni, ombre, desideri e aprire un varco nelle pieghe più oscure dell’animo umano in un continuo processo di conoscenza, cambiamento, morte e rinascita.

Nel 1939 Leonora Carrington precipita in un incubo da cui riuscirà a riemergere, per comminciare da zero, solo alcuni anni dopoo, in un’altra parte del mondo.

Leonora Carrington

Leonora Carrington

 

 

 

 

 

 

 

 

 

In Messico, dove Carrington vive per quasi 7 anni a partire del 1943, concepisce una personale visione del mondo che, attraverso una serie di appunti esoterici, inizia a trascrivere nelle sue opere. Approfondisce gli studi di alchimia, si accosta al budhismo tibetano, all’ermetismo e a la cabala ebraica: s’interessa alla psicologia junghiana ed é sopratutto atratta dal processo della metamorfosi spirituale. I suoi quadri e i suoi testi diventano elaborazione di sogni, visioni che la visitano di giorno e di notte. “Per me i sogni possegono alcune qualità che é fondamentale conoscere. Talvolta uno stesso sogno contiene messaggi che vanno a toccare punti differenti del nostro mondo interiore. Ho trovato molto interessante la definizione dell’ombra di Jung, riflesso negato dall’ego ma elemento imprescindibile per una conoscenza completa dell’essere. L’ombra può considerare il primo archetipo, la porta reale della comprensione.”

Leonora Carrington

Leonora Carrington

Leonora Carrington gioca a mischiare le differenti dimensioni dell’esistere, le deforma e ne stravolge con sapienza e contenuti. Un gioco che le ha permesso di accedere al mondo sotterraneo dove, dice lei, può entrare e uscire a suo piacimento.

Our week with artist illustrator Noma Bar at Mimaster

Happy me and great week with artist Noma Bar at MiMaster Illustrazione !!!
If I’d have to choose a quality of him, I would say ENORMOUSLY GENEROUS.
Loads of work for us, non sleeping week for many, but all very grateful to his way of leading us to our best selves and creativity. I learnt so many things from him and his art work, but what I will always remember will be his GENEROSITY on entering inside each one’s work and his capacity of giving personalised and individual artwork advice. Great artist, great proffessional and GREAT PERSON. THANK YOU.

Noma Bar & Eva Martinez at Mimaster

Noma Bar & Eva Martinez at Mimaster

Noma Bar. Work simples.

Noma Bar. Work samples.

Noma Bar. Work simples.

Noma Bar. Work simples.

La Milano di Bonvesin de la Riva – Mostra a casa Testori (MI)

Poster di Emiliano Ponzi

Poster di Emiliano Ponzi

Mostra ‪#‎tictig‬ en Casa Testori Milano .
Una muestra donde un grupo de ilustradores “visten” las paredes de una casa histórica con sus obras para hacernos revivir, en clave 2015, el Milán del siglo XIII descrito en el libro de Bonvesin de la Riva, “De Magnalibus Mediolani” (Mediolanum: una lingua in mezzo a due fiumi, Ticino e Adda). Abierta desde el 15 Feb hasta el 19 abril.

Un ejemplo muy interesante de cómo la Ilustración nos puede transportar a otra época y a otros lugares en un modo mágico. BELLISSIMA!!!